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Directrice artistique du Trident, dramaturge
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La décision a été crève-cœur. Mais elle s’imposait. Pour l’organisation, qui reçoit chaque année des spectacles venus d’ailleurs, la fermeture des frontières a été l’élément fatidique. Le festival n’avait pas encore dévoilé sa programmation complète. Et son équipe jouait de prudence en ces temps incertains. Les pertes financières seront donc amoindries pour l’organisation. «Je trouve que malgré tout, la prudence aura été bonne conseillère dans les circonstances. J’ai confiance qu’on va arriver à sortir de là dans la posture de continuer», assure la directrice générale du Carrefour, Dominique Violette.
Mais il y aura quand même des pertes à éponger. «C’est sûr qu’il va y avoir [des impacts financiers], ajoute-t-elle. Il va y en avoir pour tout le monde qu’on avait invité. Les répercussions vont être importantes pour les compagnies. Nous, il y a des limites par rapport à ce dont on est responsable. C’est un cas de force majeure. Là, on a encore du travail à faire pour déterminer les impacts. Quelles sortes d’arrangements on peut prendre? Il y a des possibilités qu’on puisse reprendre certains spectacles l’année prochaine.»
Activité phare du Carrefour, le populaire spectacle déambulatoire Où tu vas quand tu dors en marchant…? pourrait toutefois être repris plus tard cet été, si jamais l’épidémie de COVID-19 se résorbe. La dernière mouture a été créée l’an dernier aux abords de la rivière Saint-Charles et devait retrouver ses rives en mai.
«Ma motivation et ce qui garde le moral des troupes, c’est si on peut réussir à reprendre Où tu vas… avant la fin de l’été, confie Mme Violette. Il faut vérifier la faisabilité de ça. Il y a beaucoup d’éléments à prendre en compte. On va y travailler et je pense que ça se peut. On va y travailler.»
Le spectacle gratuit, qui mobilise une grande partie de la communauté théâtrale de la capitale, a fait courir les foules depuis sa création. Dominique Violette ne cache pas son souhait de pouvoir le voir comme un symbole de notre collective sortie de confinement. «C’est un spectacle qui a un lien très grand avec la ville, avec les spectateurs, avec les artisans du milieu et les artistes de Québec, observe-t-elle. Je le verrais comme un moment où on dirait : “enfin, on peut se rassembler. Et on se rassemble autour de l’art et de la population”.»
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«Nous vous assurons que toutes les mesures sont prises, en ce moment même, tant par l’équipe du Trident que par les artistes concernés, afin d’envisager le report des spectacles Eldorado et Roméo et Juliette, dont les représentations ont dû être abruptement annulées après une seule semaine à l’affiche. Toutes les informations relatives à ces reports seront communiquées en temps et lieu», a fait savoir la direction du théâtre.
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Tandis que les théâtres sont en congé forcé, l’équipe de La Bordée et de la station CKIA tendent la main aux amateurs de théâtre confinés. Les dernières représentations de Rouge de John Logan, ont dû être annulées.
En faisant contre mauvaise fortune bon cœur, les comédiens Michel Nadeau et Steven Lee Potvin, ainsi que le metteur en scène Olivier Normand (qui nous livre en audio les didascalies), ont investi le studio de CKIA (en respectant une distance d’au moins un mètre entre eux et en assurant au préalable une désinfection des lieux, nous promet-on…) ont enregistré un radio-théâtre.
La pièce est diffusée sur les ondes de CKIA (88,3) ce mercredi à 20h. On peut aussi rattraper la captation sur le site de La Bordée (bordee.qc.ca).
On peut aussi y accéder directement ici :
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Au théâtre de la rue Saint-Joseph, les dernières représentations de la pièce Rouge, à laquelle prenait d’ailleurs part M. Nadeau, et toutes celles de la production invitée L’Iliade ont dû être annulées. Les spectateurs ont été contactés et selon les observations du directeur artistique, ils sont nombreux à renoncer à se faire rembourser.
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Au Grand Théâtre, qui a annoncé l’annulation de tous ses spectacles jusqu’au 12 avril, «on n’a jamais eu à gérer ce genre de situation», indique Sophie Vaillancourt-Léonard, coordonnatrice des communications au Trident. L’annulation de la pièce Roméo et Juliette, après une semaine de représentations, a provoqué une onde de choc. Dix-sept comédiens, sans compter l’équipe technique, se retrouvent du jour au lendemain en congé forcé.
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Ce sera certainement la guerre au théâtre de la rue Saint-Joseph. Mais sans épées, sans lances, sans effusions de sang. Dans L’Iliade revue par Marc Beaupré, les mots servent d’armes. Déclamés à l’unisson, chantés, slamés ou catapultés «à la Rage Against the Machine». Nous voilà dans une Grèce antique modernisée, mais aussi sans âge, où la musique devient un personnage au même titre qu’Achille, Hector, Agamemnon ou Andromaque. Comédie musicale? Presque. Mais on nage ici en plein drame.
«Je me suis demandé à un moment si on était dans une comédie musicale ou du moins, dans une épopée musicale», confie Marc Beaupré, qui signe l’adaptation du texte et la mise en scène. «Mais tu ne veux pas que les gens s’attendent à voir des “numéros”, ajoute-t-il. Nous, on n’est pas là-dedans. Il y a des morts à la pelle. Mais mon grand trip, c’était de dire : on n’en verra pas de sang. On n’en verra pas d’armes. Mais on va voir la fureur guerrière, avec 10 interprètes sur la scène qui font tout à l’unisson et en harmonie pour expliquer le chaos. Ils offrent une réponse au chaos. C’est ça que je trouve super beau.»
Cette nouvelle lecture de L’Iliade nous amène dans une histoire connue, mais pas tant. Nous voilà dans une guerre qui s’éternise. Après l’enlèvement d’Hélène, avant le fameux cheval de Troie. Au moment où le guerrier Achille devra choisir entre une vie anonyme ou une mort glorieuse. Entre le spectacle de Marc Beaupré et le texte original d’Homère, il y a eu un immense travail d’adaptation par Alessandro Baricco dans le roman Homère, Iliade. Le Québécois l’a ensuite remis à sa main.
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Leur mythique histoire d’amour fait partie de la légende. Elle Capulet, lui Montaigu. Issus de deux clans ennemis, ils vivront une passion adolescente fulgurante et tragique. Dans un monde où tous invitent la haine, ils se sont aimés. D’une interprétation à l’autre, nous les connaissons. Dans la nouvelle version du Trident, Gabriel Cloutier-Tremblay et Laurence Champagne incarnent fougue et immaturité. Le courant passe entre les deux acteurs, appelés à tout donner — ou tout enlever — pour prêter vie et mort à cette passion éphémère.
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D’après un texte de John Logan, auteur des scénarios du James Bond Skyfall et de L’aviateur de Scorsese, la pièce met en lumière, dans le New York de fin des années 50, un épisode de la vie du réputé artiste d’origine juive Mark Rothko (1936-1970), alors que sa route croise celle d’un jeune peintre débarqué pour donner un coup de main à son atelier.
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Pour tout dire, il ne se passe pas grand-chose dans À l’affiche, présentée depuis mardi à Premier Acte. Pendant près de trois heures, précisons-le. Le spectacle contient-il des longueurs? Assurément. Est-ce qu’on s’y ennuie pour autant? Pas nécessairement. Du moment qu’on accepte le rythme qui nous est proposé.
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D’abord proposé par le Théâtre à Tempo en animation de rue, le spectacle La grande étude a fait du chemin depuis sa création en 2008, dans le contexte des Fêtes du 400e anniversaire de la ville de Québec. À ce jour, quelque 50 000 curieux ont pu assister aux prouesses musicales et de bruitage de ces cinq joyeux lurons.
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Le Belge de 61 ans est le premier à avoir obtenu de pouvoir utiliser une autre chorégraphie que celle originelle de Jerome Robbins pour cette production, dont la première a eu lieu jeudi au Broadway Theatre.
À l’origine de l’idée de cette comédie musicale, déclinaison moderne de Roméo et Juliette, metteur en scène de la première version à Broadway, puis coréalisateur du film, Jerome Robbins est tellement associé à l’œuvre que personne n’avait pu jusqu’ici s’écarter de sa ligne.
Appuyé par la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker, celui qui navigue entre théâtre et opéra a pu complètement remanier West Side Story, pour en faire une comédie musicale du XXIe siècle.
La chorégraphie, tout d’abord, rompt avec la fluidité de Jerome Robbins et se fait plus nerveuse, plus saccadée, avec une touche d’arts martiaux et de hip-hop pour secouer le tout.
Ivo van Hove a aussi fait table rase du décor imaginé par les concepteurs de ce conte moderne, censé se passer dans le quartier de Hell’s Kitchen, au centre-ouest de Manhattan, même si aucun lieu n’est mentionné dans le livret.
Disparus, les éléments qui rappelaient une rue de New York, avec ses petits immeubles caractéristiques, comme dans la production originelle en 1957.
Les acteurs évoluent sur une scène gigantesque et totalement vide, un défi. «C’est une boîte noire, complètement nue», a expliqué le producteur Scott Rudin, dans l’émission de la chaîne américaine CBS, 60 Minutes. «Ce n’est pas le West Side Story de 1957.»
Tout au fond de la scène, deux ouvertures dans un mur avec, enfoncés derrière, une épicerie et un atelier reconstitués avec minutie.
Impossible pour le spectateur de voir distinctement ce qu’il s’y passe sans l’aide de caméras, dont l’image est retransmise sur le mur du fond, qui fait office d’écran géant.
Car la vidéo, comme dans beaucoup de spectacles d’Ivo van Hove, est un élément majeur de la mise en scène, au point, parfois, d’engloutir les acteurs.
«On est en train de calibrer la chose, a expliqué Scott Rudin. Il y a des moments où c’est encore un peu trop envahissant [...] et d’autres où c’est terriblement excitant.»
Ivo van Hove a aussi choisi d’autres partis pris de mise en scène, écartant la chanson I Feel Pretty, ou utilisant Gee, Officer Krupke! pour dénoncer la violence policière, thématique très actuelle.
Auteur des paroles des chansons, Stephen Sondheim a expliqué, dans l’émission 60 Minutes, adhérer à cette radicalité nouvelle dans le propos, avec notamment une tentative de viol sur le personnage d’Anita, une nouveauté. «Il s’est passé tellement de choses depuis 1957 [...] et cela se traduit au théâtre aussi.»
Diversité
Dernier vecteur de changement, et pas le moindre, la distribution.
La première production de West Side Story, tout comme le film, était excessivement dominée par des acteurs blancs.
Dans le long métrage aux 10 Oscars, Nathalie Wood, fille d’immigrés russes, interprétait ainsi l’héroïne Maria, et George Chakiris, fils d’immigrés grecs, son frère Bernardo, deux personnages portoricains.
La plupart des rôles principaux sont tenus, cette fois, par des acteurs d’origine hispanique, métis ou noirs, et Shereen Pimentel, qui interprète Maria, a des racines portoricaines.
Reste la musique de Leonard Bernstein, qui ramène la pièce à son univers d’origine.
«Ivo a un style particulier, qu’il a utilisé par le passé et qu’il applique à cette pièce», explique Stephen Sondheim au sujet de la comédie musicale dont l’accueil critique est mitigé. «C’est une nouvelle interprétation et, si Dieu le veut, dans quelques années, il y en aura une autre.»
Le cinéma aussi s’apprête à toiletter West Side Story, avec Steven Spielberg à la manœuvre et une sortie prévue en salles en décembre.
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«Le rapport maître-élève est là, on n’a pas besoin d’y toucher. Voyons voir si Michel applique réellement ce qu’il prodigue à l’école?» blague Steven Lee Potvin, qui a terminé sa formation au Conservatoire de Québec en 2016.
Le personnage que joue Michel est un peintre au comportement irascible et anxieux, il se montre dur avec son apprenti. Partager la scène avec son professeur peut s’avérer intimidant, mais étant donné que le personnage de Rothko et son comédien sont complètement différents, Steven Lee Potvin ne s’en fait pas trop.
«Michel est vraiment trop gentil, c’est ça qui est plaisant. Mark Rothko a un caractère insupportable, mais Michel est extrêmement doux. Le fait qu’on a une équipe réduite aide aussi beaucoup.»
Les deux comédiens de la pièce répètent seulement avec le metteur en scène Olivier Normand et une ou deux autres personnes. Ils racontent les deux années qui précèdent la livraison d’une murale réalisée par l’artiste Rothko pour un restaurant de luxe, la plus grosse commande pour un artiste contemporain à l’époque, cinq scènes, cinq moments marquants entre les deux personnages (une histoire partiellement vraie).
«On part du réel pour donner un prétexte à une discussion sur l’art, la réception de l’art et la pertinence de l’art», ajoute Steven Lee Potvin.
À travers un seul lieu, l’atelier du peintre, les deux personnages s’échangeront la parole pendant une heure et demie, un dialogue riche en questionnements, où la pensée évolue avec la pièce.
«Ce que John Logan [texte] fait de bien est qu’il insuffle beaucoup d’émotion dans la pièce, autant dans la confrontation que dans les souvenirs que les personnages racontent», indique Michel Nadeau.
La pièce ne parle pas juste de l’art, elle observe aussi la passation du savoir et du talent. Nadeau et Potvin explorent ensemble ce rapport entre un artiste bien installé, et celui qui veut tracer son chemin vers le succès.
Plusieurs chapeaux
Michel est aussi le directeur artistique du théâtre La Bordée. En plus de ses heures comme professeur au Conservatoire de Québec, il a également signé plusieurs mises en scène et textes de théâtre. Ça fait plusieurs chapeaux à la fois, voilà d’ailleurs 11 ans que Michel n’avait pas joué dans une pièce professionnelle.
«C’est presque des vacances quand tu fais juste jouer... c’est quand même beaucoup de travail, mais j’ai juste ça à m’occuper.»
Est-ce qu’il a le réflexe de donner des conseils à son ancien élève? «Je ne m’occupe pas de ça! Je fais attention... Je laisse ça à Olivier Normand, quand tu es metteur en scène, c’est ta vision du spectacle. Chacun sa place, insiste-t-il. Ce n’est pas mon premier barbecue... quand on a beaucoup de chapeaux, le cerveau travaille en compartiment, quand on est là, on est entièrement là, il ne faut pas être ailleurs. C’est une gymnastique qui se pratique.»
Et l’homme à la longue feuille de route connaît déjà bien une partie de son public... ses étudiants seront dans les premiers rangs pour voir leur prof jouer. «C’est bien de se mettre un peu en danger... sinon on ronronne. C’est une pièce que j’ai beaucoup aimée quand je l’ai découverte. Le rapport maître-élève me touchait, même si je n’ai pas un rapport aussi dur que ça.»
La balle en jeu
Si la pièce peut paraître didactique, avec seulement des discussions profondes, les comédiens assurent que le travail est «sportif». Michel et Steven Lee doivent tenir la pièce à eux deux pendant une heure trente, ce qui représente un défi, et ils comptent bien garder les spectateurs réveillés.
«C’est comme un match de tennis ou de ping-pong, on attaque une scène, on la finit et on se prépare pour la prochaine. Une fois que la balle est en jeu, elle ne sort jamais», note l’interprète de Ken.
«Une fois que ça commence, que la montagne russe démarre, c’est impossible d’arrêter quoi que ce soit. Il y a beaucoup de manipulations et beaucoup de textes. Le débat d’idées doit être très incarné, des idées supportées par des émotions, il ne fallait pas que ça devienne juste un débat de deux gars qui jasent de peinture», termine le professeur.
La pièce Rouge est présentée au théâtre La Bordée du 25 février au 21 mars. Pour des billets : bordee.qc.ca/piece/rouge
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Ils s’appellent Avery, Sam et Rose. Ils sont ceux qu’on croise sans trop les remarquer quand on va au cinéma. Ils déchirent notre billet, actionnent le projecteur et passent derrière nous pour ramasser les restes de popcorn. Ils se parlent, parfois en apparence pour ne rien dire. Mais à l’intérieur, ils bouillonnent. L’auteure Annie Baker les a choisis pour sujets dans sa pièce The Flick, récompensée d’un prix Pulitzer en 2014. La Québécoise Angélique Patterson a été complètement fascinée par le résultat, qu’elle a adapté sous le titre À l’affiche.
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Dans une mise en scène d’André Robitaille et avec une distribution rassemblant Guy Jodoin, Marie-Chantal Perron, Jean-Michel Anctil, Brigitte Lafleur, Rémi-Pierre Paquin, Marilyse Bourke, Pier-Luc Funk et Catherine Brunet, le spectacle a pris d’assaut vendredi les planches de la salle Albert-Rousseau pour quatre représentations à guichets fermés.
La troupe sera de retour sur la même scène du 10 au 25 juillet.
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Avec Le devisement du monde, Kevin McCoy vient clore une trilogie théâtrale entamée en 2006 avec Ailleurs et poursuivie en 2015 avec Norge. Le premier spectacle était ancré dans le thème de l’immigration à Québec, notamment la sienne, lui qui a déménagé ses pénates dans la capitale en 1996. Le deuxième s’intéressait notamment à sa relation avec sa mère dans une poursuite de ses racines en Norvège. Avec le troisième volet, le paternel est à l’honneur, à l’heure des adieux, dans une mise en exergue d’un amour des voyages en général et des périples de Marco Polo en particulier.
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Après Ailleurs en 2006, puis Norge en 2015, l’auteur, metteur en scène et comédien s’apprête à terminer une trilogie au Diamant avec Le devisement du monde, où l’exploration des relations père-fils est mise en relief par une fascination pour les voyages de Marco Polo. En plus de cette nouvelle création, il marquera la fin de ce cycle en revisitant dans les prochains jours les deux premiers chapitres de cette aventure théâtrale. Le tout culminera le 22 février par un marathon scénique — entre 15h et 22h — où les trois spectacles seront présentés coup sur coup.
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Précisons-le d’emblée, Le projet HLA n’est pas un spectacle très long (un peu plus d’une heure dix), mais il n’est pas léger à encaisser.
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«Ce n'est pas facile de porter une souffrance qu'on n'a pas choisie. Le théâtre peut être ce lieu où quelqu'un vient porter les combats à votre place», explique à l'AFP le phénomène littéraire français de 27 ans, traduit en 30 langues.
Ce n'est pas la première adaptation d'Histoire de la violence, comme ses deux autres romans, les succès En finir avec Eddy Bellegueule et Qui a tué mon père, ce texte a déjà été joué sur les planches et dans le monde entier.
Mais c'est la première fois qu'Edouard Louis participe pleinement au projet.
La raison? Thomas Ostermeier, directeur de la Schaubühne de Berlin, considérée comme une des scènes les plus créatives d'Europe, dont il admire le travail.
«Il a toujours articulé son théâtre à une dénonciation des mécanismes», explique l'écrivain qui, en trois romans et des prises de position affirmées, s'est imposé comme une figure de la gauche radicale, opposée à la répression et dénonçant sans relâche la violence sociale.
Dépossédé
Récit d'un viol suivi d'une tentative de meurtre par un amant d'une nuit, Histoire de la violence traite de violences sexuelles, de racisme, d'homophobie, mais aussi de la parole. Celle des victimes, de l'entourage, de la police, de l'agresseur...
Dans le roman, Edouard Louis choisissait de faire raconter son agression par sa soeur qui rapportait à son mari ce qu'il lui avait confié.
La pièce d'Ostermeier s'ouvre avec son personnage, tel un figurant, voyant les autres parler de ce qui lui est arrivé. Comme s'il en était dépossédé.
«Au moment où on raconte une histoire, surtout quand il s'agit de violences sexuelles, elle est modifiée par le monde. On est la personne qui a le moins de place dans sa propre histoire», dit-il, entre ceux qui refusent d'y croire et ceux qui commentent les faits. «Moi, à votre place...», lance une policière dans la pièce.
Pendant des semaines à Berlin, l'écrivain a retravaillé son texte, ajoutant des dialogues et gardant un oeil sur la mise en scène. «J'ai dit aux quatre acteurs: "il n'y a rien que je désire plus que vous vous saisissiez de mon histoire"».
Il s'est toutefois tenu à l'écart de la scène la plus difficile, celle de l'agression, voulue «hyper-réaliste» par Ostermeier. Au point de faire fuir certains spectateurs aux États-Unis, où la pièce a été jouée à l'automne.
«Multiplier les angles»
«Le théâtre est un lieu qui doit bousculer. Si c'est juste un divertissement bourgeois, ça ne m'intéresse pas», lance l'écrivain, rapportant les réactions suscitées par la pièce à l'étranger, avec des spectateurs évoquant leurs propres agressions sexuelles ou le fait d'être un «transfuge de classe», sujets au coeur de l'oeuvre d'Edouard Louis, né dans une famille pauvre du nord de la France.
«Quand on dit "je", on incite tout un ensemble d'autres personnes» à faire de même, souligne cette figure de l'autofiction, qui revendique l'héritage d'Annie Ernaux et de son ami Didier Eribon, Retour à Reims.
Et souhaite que plus de gens exclus puissent à leur tour prendre la parole.
Alors qu'il écrit son quatrième roman (il n'en dira pas plus), Edouard Louis s'est montré récemment très présent dans les manifestations contre la réforme des retraites, après celles des gilets jaunes l'an dernier.
«Bien lutter, c'est faire toutes ces choses à la fois, c'est multiplier tous les angles d'attaque», dit celui qui se prépare aussi à monter sur scène - une première - dans une adaptation de Qui a tué mon père par Thomas Ostermeier. «Pour moi, un grand mouvement social, c'est comme une grande oeuvre d'art, c'est quelqu'un qui vient montrer des réalités qu'on ne voyait pas et qui, d'un coup, sont visibles».
Histoire de la violence se joue jusqu'au 15 février au Théâtre des abbesses.
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Au cœur de ce texte du Français Nicolas Fretel se trouve une tragédie. Un an après le meurtre d’un père (Carol Cassistat) par sa femme (Nancy Bernier) et son fils (Vincent Nolin-Bouchard), ces deux derniers revivent en boucles le souper fatidique. La scène, assimilée ici à un refrain, revient à plusieurs reprises dans la pièce, s’arrimant à une trame sonore signée Etienne Lambert.
«Le texte est sous la forme d’une partition musicale électronique. Il y a des boucles, du sampling, des répétitions, une progression. Il rajoute toujours des informations pour que le public comprenne de plus en plus où on s’en va. Tout ça fait en sorte qu’il y a une tension qui monte», résume le metteur en scène.
«Moi, je suis parti de cette idée-là et je l’ai intégrée à tous les aspects techniques et scénographiques afin de faire en sorte qu’il ait des boucles un peu partout», ajoute celui qui mise beaucoup sur la vidéo — Keven Dubois et Alexandre Berthier en sont les concepteurs — pour accentuer ses effets.
«Je suis allé m’inspirer du vaporwave, décrit-il. C’est un style qu’on voit depuis presque 10 ans. C’est devenu très populaire. C’est le fluo, les couleurs pastels. Ça va beaucoup chercher des inspirations des années 80 dans le visuel.»
Théâtre
L’auteur, metteur en scène, comédien et grand voyageur n’a jamais évité les sujets chauds, lui qui a notamment ancré des projets théâtraux dans le conflit israélo-palestinien et en République démocratique du Congo. Cette fois, il est resté plus près de chez nous, en 2015, lorsqu’il a pris la route pour un voyage hivernal. Au-delà des portraits réducteurs résumés aux exemptions de taxes, aux cigarettes de contrebande et à la crise d’Oka, il avait pour objectif de mieux comprendre les réserves autochtones, mais aussi de questionner notre rapport à d’autres réserves, naturelles celle-là, citant des coupes à blanc, des rivières harnachées, des pipelines qui s’invitent dans le paysage.
Théâtre
Dans cette pièce en anglais surtitrée en français, trois acteurs tous de noir vêtus et évoluant dans des conditions minimalistes tentent de répondre à une question existentielle : pourquoi fait-on du théâtre.
Présenté en collaboration avec le festival TransAmérique — il sera également joué du 21 au 23 mai au Monument National —, le spectacle arrivera au Québec au fil d’une tournée internationale qui l’amènera en Tunisie, en Colombie, en France, en Allemagne, en Italie et au Mexique.
Le 21e Carrefour international de théâtre se déroulera du 21 mai au 6 juin. La programmation complète sera dévoilée le 21 avril.
Théâtre
À l’hiver 2015, il a décidé de partir vers le Nord, à la rencontre des communautés autochtones. Le Canada était encore sous la gouverne de Stephen Harper. La question autochtone, les horreurs des pensionnats, les innombrables disparitions et meurtres de femmes étaient oblitérés du discours. Il voulait donner la parole, apprendre et comprendre.
Théâtre
Sur son lit d’hôpital, qui fait aussi office de linceul, Frédéric (Frédéric Lemay) attend la mort. Il a seulement 26 ans. Il ne parle plus à personne, sauf à son aide-soignante (Claudiane Ruelland). Se taire est l’ultime acte de résistance. Il refuse de partir pour l’au-delà dans la langue inutile de ses parents.
Le jeune homme ignore les membres de sa famille qui défile à tour de rôle : une mère pétrie de rage et de tristesse (Nathalie Mallette), un père silencieux (Daniel Parent), l’amour de ses 16 ans (Pascale Renaud-Hébert), un frère d’âme et de sang (Jonathan Saint-Armand), sa grand-mère accro au magasinage (Linda Laplante), un grand-père aimant, mais effacé (Richard Thériault).
Dix ans auparavant, le triangle que formait Frédéric avec l’élue de son cœur, Odile, et son meilleur ami d’origine africaine, Wilson, s’est disloqué face à leurs idées de grandeur. Il fallait fuir, loin dans une terre d’exil pour échapper à cette vie de banlieue plantée à des années-lumière de leurs idéaux, avec ces maisons trop grandes avec garage double, ces IKEA devenus symbole outrageant du consumérisme, ce troisième lien.
Pour Frédéric et Wilson, «vivre devant le Kilimandjaro ou devant un Jean Coutu, c’est pas la même chose...» Tout pour ne pas être banal, pour ne pas succomber à la médiocrité du quotidien devant un rôti de porc ou un ordinateur qu’on s’évertue à reseter.
Radicaux
Les huit personnages sont radicaux dans leur façon de voir le monde, ou plutôt leur monde. La poésie brute de Gagnon devient des armes de destruction massive. Les mots frappent fort, enveloppés à l’occasion de sonorités qui amplifient le drame choral. Les tirades de chacun, souvent bouleversantes, forcent l’admiration.
Déployée de part et d’autre de la scène, l’assistance offre un refuge à quelques personnages qui évoluent dans une mise en scène toute en sobriété. Le lit devient table pour servir un repas imaginaire. Une cuisinière sert à la fois à sa fonction utilitaire, mais devient aussi autel pour une conclusion tragique.
L’œuvre de Steve Gagnon, même si échevelée à l’occasion, s’avère un puissant réquisitoire contre le conformisme et les idées reçues. La lettre d’adieu de Frédéric à ses parents, en finale, résume parfaitement le message : «J’oppose ma colère à vos rêves tranquilles.»
CQFD
Pour qu’il y ait un début à votre langue tient l’affiche au Périscope jusqu’au 25 janvier.
Théâtre
Le titre .ES signifie la règle de l’accord des mots au féminin pluriel. Le premier chapitre est d’abord tourné vers elles, en attendant un hypothétique second, qu’on souhaite tourné vers l’autre. «Avant de conquérir une sphère plus large, il fallait passer par l’intime et régler des affaires en nous», lance Noémie F. Savoie, rencontrée dans un café de la rue Saint-Joseph, en compagnie de Natalie Fontalvo.
Théâtre
D’entrée de jeu, disons-le, le spectateur familier avec la mythique famille ouvrière de la Basse-Ville de Québec se retrouvera en terrain connu. La metteure en scène Maryse Lapierre et la responsable de l’adaptation, Isabelle Hubert, ne proposent pas une relecture décoiffante de l’oeuvre. Elles n’ont pas vidé les personnages de leur substantifique moelle. Ils sont tous là, quasi immuables, greffés dans un décor fort original, avec leurs qualités et leurs défauts, leurs rêves et leurs espoirs déçus.
Théâtre
Roman à l’origine, puis radio roman, avant son passage au petit et au grand écran, La famille Plouffe, œuvre phare du patrimoine collectif québécois, n’avait jamais été montée sur les planches. À la demande du Trident, Maryse Lapierre et Isabelle Hubert ont été choisies pour ce travail d’envergure qui, on s’en doute, vient avec son lot de stress et d’angoisses. Le Soleil a rencontré les deux artistes dont la vie gravite depuis des mois autour de la vie des membres de la mythique famille ouvrière de la basse-ville de Québec.
Arts
«L’an dernier, pour le 20e anniversaire, on s’est rendu à six semaines, indique Mélanie Bédard, nouvelle directrice générale de Recto-Verso, qui organise le Mois Multi. C’était long, pour l’équipe et pour le public. On pense qu’une durée condensée va aider à rétablir une ambiance de festival.» La mouture 2021, quant à elle, devrait tenir en 15 jours.
Arts
1- Les mains d’Edwige au moment de la naissance
