Théâtre
«La réalité a rejoint la fiction, d’une certaine façon, évoque-t-il. Moi, il y a beaucoup de choses que j’avais à dire là-dessus depuis longtemps.»
Théâtre
Alliant théâtre, chanson et poésie; mettant à profit des images d’archives et des extraits de la correspondance du couple (rassemblée dans le livre La renarde et le mal peigné), le spectacle créé l’an dernier à Montréal multiplie les angles d’attaque pour couvrir son sujet. Et il s’avère d’une indéniable efficacité.
Instigatrice du projet, la comédienne Catherine Allard a eu l’idée de cet hommage pour souligner le 20e anniversaire du décès de Pauline Julien, qui s’est enlevé la vie en octobre 1998. Elle s’est entourée de l’autrice Marie-Christine Lê-Huu et du metteur en scène Benoît Vermeulen. Sur scène, elle côtoie le comédien Gabriel Robichaud et les musiciens Gaël Lane Lépine et Cédric Dind-Lavoie. Une solide équipe, en somme. Mais en répliques comme en chansons, c’est vraiment elle qui captive par sa fougue, sa justesse et sa passion.
Une grande histoire
L’histoire de Pauline Julien et de Gérald Godin en est une grande. D’amour et de politique, de poésie et de fierté, de ferveur et de soif d’émancipation, d’action et d’engagement plutôt que de passivité. C’est une histoire tragique, aussi, quand on pense que cet homme d’idées a été emporté par un cancer du cerveau et que cette femme de mots, frappée par une aphasie dégénérative, les a peu à peu perdus. Je cherche une maison qui vous ressemble navigue dans tous ces aspects avec agilité, avec des personnages qui se racontent eux-mêmes à diverses époques de leur vie, à travers leurs œuvres… et même après leur mort.
On apprécie d’ailleurs ces moments où les interprètes et leurs sujets se répondent. Comme cet instant où Robichaud commence à réciter l’Énumération de Godin, qui terminera le texte sur l’écran dans un extrait de La nuit de la poésie. Ou quand la vraie Pauline prend le relais pour la fin du Temps des vivants.
Afin de mettre leur hommage dans un contexte actuel, les comédiens vont jusqu’à «tricher» en faisant tomber le quatrième mur. À plusieurs reprises, Catherine Allard et Gabriel Robichaud abandonnent leurs personnages pour expliquer leurs motivations ou leurs doutes concernant le projet souverainiste. La pièce met en exergue le fait que Pauline Julien et Gérald Godin représentent le symbole d’une «époque incandescente» de l’histoire du Québec. Une époque révolue, pouvons-nous aussi avancer. Catherine Allard fait le pari que de voir le feu qui animait ces amoureux peut encore être contagieux. De quoi doublement attiser la nostalgie, tant de ceux qui y étaient que de ceux qui auraient sans doute aimé y être...
Le spectacle Je cherche une maison qui vous ressemble est présenté au Périscope jusqu’au 19 octobre. Il se promènera aux quatre coins du Québec d’ici au printemps 2020.
Théâtre
Traduit de l’anglais par Bender, le texte original de Kevin Loring a été récompensé d’un prix du Gouverneur général en 2009. On peut comprendre pourquoi, si l’on considère la portée sociale qu’il peut offrir dans un discours public où les Autochtones sont souvent réduits à des stéréotypes.
Pourtant, loin de mettre des lunettes roses, l’auteur joue d’abord lui-même dans les mêmes eaux avant d’approfondir la question. Si le titre de Là où le sang se mêle fait référence au croisement de deux rivières, une grande partie des scènes de la pièce se déroulent dans un bar, où les amis d’enfance Floyd (Marco Collin) et Quêteux (Charles Bender) viennent s’échouer. S’ils se colletaillent avec une certaine bonhommie sous les yeux d’un barman blanc (Xavier Huard) qui leur fait crédit, leur trouble est grand. Tous deux survivants des pensionnats autochtones, ils vivent avec les conséquences des sévices qu’ils ont subis : alcoolisme, consommation de drogue, criminalité, violence, problème de jeu…
Le retour dans la région de la fille de Floyd viendra bouleverser un certain ordre établi où chacun a enfoui ses traumatismes. Fillette, Christine (Soleil Launière) a été enlevée à son père endeuillé jugé inapte à prendre soin d’elle. Élevée en ville, elle souhaite reconnecter avec ses racines et connaître sa propre histoire. Sa présence viendra malgré elle rouvrir des blessures… Mais aussi lancer un dialogue libérateur.
Théâtre
Avec l’acteur Benoit Mauffette et le musicien Navet confit (Jean-Philippe Fréchette), le comédien originaire de Québec est de la distribution de la production de Tôtoutard «Je suis mixte», écrite et mise en scène par Mathieu Quesnel. Entrevue avec Yves Jacques.
Q Parlez-nous de la pièce.
R C’est un peu comme une soirée des AA, où un gars vient raconter sa vie. Ce gars-là est joué par Benoit Mauffette. On se rend compte qu’il y a toujours un bonhomme à côté, mais on ne sait pas trop qui il est au départ. On va finir par comprendre que c’est son oncle qui est allé le rejoindre. Le neveu en a eu marre de sa vie à Drummondville dans le nettoyage industriel et il est parti à un congrès à Francfort. Là, il rencontre un Allemand qui lui fait découvrir tout ce qu’il n’a pas connu dans sa vie. Or, il décroche complètement : il va laisser sa femme et sa fille pour bambocher à Berlin avec cet Allemand. C’est une pièce sur la mixité, le fait d’être mélangé dans la vie. C’est en même temps une façon d’exprimer une folie pour Mathieu Quesnel et ça marche. C’est une espèce de thérapie de groupe avec de la danse. En fait, l’histoire n’est pas très importante. C’est toute la réflexion qui est proposée au public qui est intéressante. Il y a des moments émouvants, il y a des moments très drôles, il y a des moments mystérieux. C’est une pièce complètement loufoque. Les gens embarquent. Ils se reconnaissent là-dedans.
Q Qu’est-ce que vous aimez de la pièce?
R Elle me permet une folie que je n’avais pas pu vivre depuis longtemps : je chante. C’est le fun parce qu’on s’éclate.
Q On dit que la proposition scénique ne ressemble à rien d’autre. Êtes-vous d’accord avec cette affirmation?
R Oui. C’est comme si je faisais une performance à Berlin avec Benoit Mauffette, le fils de Pauline Martin, un comédien bourré de talent. Le public fait partie du spectacle. On fait la pièce en étant conscients qu’on est devant public et qu’on est en train de raconter une histoire. Il n’y a pas de quatrième mur.
Q Cette pièce vous fait-elle sortir de votre zone de confort?
R Oui. Mais, quand il y a quelqu’un en qui on a confiance, on peut aller loin. Il a poussé la note jusqu’à nous faire jouer au ping-pong sur la scène complètement à poil. J’ai quand même 60 ans! Mais, avec le contre-jour de l’éclairage, ce n’est pas malaisant.
Q Qu’est-ce que vous aimez dans l’œuvre de Mathieu Quesnel?
R J’avais envie de travailler avec ce gars-là. Avec son sens de l’absurde, il me fait un peu penser à Claude Meunier, dans un style particulier à lui. Mathieu aime beaucoup casser les codes du théâtre et de la vie; ça nous déstabilise. Je le trouve brillant. J’espère qu’il va écrire encore plein de pièces. Je vais travailler sur un autre projet avec lui à l’Espace libre, cet hiver, dans un spectacle qui va s’appeler Trip. Il y a 20 comédiens là-dedans.
Q Comment vous sentez-vous à l’idée de venir jouer pour la première fois au Théâtre du Bic?
R Je suis déjà allé à Rimouski, mais je ne me suis jamais arrêté au Bic. Le plus loin que je suis allé dans l’Est, c’est à Murdochville. Je n’ai jamais vu le rocher Percé. C’est un voyage que je projette de faire un jour. J’ai fait le tour du monde avec La face cachée de la lune de Robert Lepage et je ne suis pas allé beaucoup en région.
Q Avant Je suis mixte, il y a longtemps que vous n’aviez pas monté sur les planches au Québec?
R Oui. La dernière fois que j’avais joué ici, au Québec, c’était dans Le projet Andersen au Théâtre du Nouveau Monde en 2008 ou 2009. Je suis revenu à Québec en 2011 pour jouer dans La face caché de la lune pour le 40e anniversaire du Théâtre du Trident parce que c’est là que la pièce avait été créée. Je n’avais pas rejoué au Québec depuis. La pièce Je suis mixte prendra l’affiche du Théâtre Périscope de Québec en décembre 2020.
Théâtre
Ce sera l’occasion pour le renommé dramaturge de jouer pour une première fois sur la scène du Diamant. Dans cette brillante création, présentée à 280 reprises dans 37 villes depuis 2015, Lepage revisite l’histoire récente du Québec à la lumière de ses souvenirs d’enfance. Un prétexte pour s’interroger sur le mécanisme de la mémoire, tant personnelle que collective.
Théâtre
La pièce se déroule dans une salle de bain aux carreaux blancs immaculés, certains fissurés, à l’image de ce qui va se jouer sous nos yeux. Au centre de la scène, une baignoire qui devient le lieu de confidences (et de crises) d’une jeune fille jamais nommée (Carolanne Foucher) et de son ami/amant gai (Vincent Michaud) qui cherche à l’extirper d’une dépression dont elle ne voit pas la fin.
Théâtre
Écrit en 1945, Le cercle de craie caucasien offre une réflexion sur la bonté, l’engagement et le sens du devoir à travers une question : à qui appartiennent les choses, les lieux ou même — dans une certaine mesure… — les gens? À ceux qui croient mériter leur dû où à ceux qui s’investissent pour le préserver et le rendre meilleur?
Théâtre
Déjà, à l’époque, la pièce a reçu les accolades du public et de la critique. Elle s’attarde à la crise existentielle d’un homme de 47 ans, mais Michel Nadeau a eu le flair d’en faire une comédie dramatique. Les traits d’humour, nombreux, permettent d’éviter que le propos devienne trop lourd. Le dramaturge a un peu modifié le texte pour l’actualiser, avec des références à Netflix, à Ricardo, etc.
Le récit s’intéresse à la vie rangée de M. L’Homme (Hughes Frenette). Le père de famille et fonctionnaire de carrière empêtré dans sa routine aura un choc lorsqu’il assiste, un peu par hasard, à une représentation des Trois sœurs de Tchekhov.
La célèbre pièce du dramaturge russe agit comme un effet miroir. M. L’Homme se demande s’il devient bien ce qu’il a voulu. Alors qu’il traîne son spleen comme un boulet, les réflexions de Tchekhov envahissent peu à peu son esprit et l’entraînent à poser un regard plus attentif sur la beauté qui l’entoure — d’où le titre. Des effets de ralenti et de répétition réussissent à concrétiser l’idée de lenteur.
La pièce se sert ici très efficacement de la mise en abîme — le théâtre dans le théâtre. Des extraits des Trois sœurs viennent s’immiscer dans la représentation, dans un habile aller-retour entre la «supposée» réalité et la fiction.
Un dispositif scénique simple — une façade (grise, bien sûr), percée de fenêtres et munie de deux portes — permet à la distribution d’évoluer avec aisance.
Jeu tout en finesse
Car on peut souligner la pertinence du propos, l’efficacité des dialogues et de la mise en scène autant qu’on veut, reste que le succès de cette nouvelle version repose aussi beaucoup sur l’interprétation tout en finesse d’Hughes Frenette, notamment dans l’utilisation du langage non verbal.
Saluons également la polyvalence de Charles-Étienne Baulne, Claude Breton-Boivin, Véronika Makdissi-Warren, Marc-Antoine Marceau et Nathalie Séguin qui défendent tous plusieurs rôles avec brio.
Malgré les transitions rapides qui créent en un effet de dynamisme, la pièce souffre de quelques temps morts. Certaines scènes, avec le fils et la fille de M. L’Homme, par exemple, s’avèrent superflues.
Les cyniques pourront voir un certain paternalisme dans le propos — le dramaturge devrait leur répondre que quand le sage désigne la Lune, l’idiot regarde le doigt...
Au fond, la pièce de Nadeau propose au spectateur de prendre le temps de profiter du moment présent parce que «la vie nous coule entre les doigts», justement.
Aussi bien en profiter pour aller voir Lentement la beauté.
Lentement la beauté est présentée à la Bordée jusqu’au 12 octobre.
Théâtre
Le coauteur (avec Simone Chartrand) et metteur en scène Philippe Soldevila a raison encore aujourd’hui de qualifier la pièce d’ovni. Avec son trio de personnages truculents, son humour irrévérencieux et sa propension à épouser pour notre plus grand plaisir les codes du vaudeville et du cinéma muet, Le Miel est plus doux que le sang se veut certes un divertissement, mais aussi une intéressante réflexion sur la création artistique.
Théâtre
Présentée pour la première fois en 2003, sous la direction de Michel Nadeau, en collaboration avec les membres du Théâtre Niveau Parking, Lentement la beauté s’était rapidement attirée les éloges, en route vers plusieurs récompenses, dont le Masque de la meilleure production de l’année. Dans la nouvelle mouture, Hugues Frenette campe un fonctionnaire dans la quarantaine qui amorce une profonde réflexion sur son existence sans relief, après avoir assisté à une représentation des Trois sœurs de Tchekhov.
Théâtre
La nouvelle salle d’un peu plus de 600 places était comble pour cette pièce de sept heures, en sept actes — d’où le titre qui évoque les tributaires de la rivière qui baigne la ville d’Hiroshima, au Japon.
Le récit choral démarre d’ailleurs là, en 1945, quelque temps après l’explosion de la bombe atomique lancée par les États-Unis pour clore la Seconde Guerre mondiale. Un photographe de l’armée américaine, chargé d’y documenter les ravages de la déflagration nucléaire, y fait la rencontre d’une femme irradiée. Leur brève liaison aura des implications sur la suite des choses.
C’est aussi un bon prétexte pour explorer la quête de sens qui s’y déploie tout au long de la représentation : mémoire (à la fois personnelle et universelle), famille, mort, résilience, renaissance...
Théâtre
1 Tu es acteur dans la capitale au début des années 1990, avec ta propre compagnie [Les moutons noirs]. Comment t’es-tu retrouvé associé à la création de la pièce?
Théâtre
Le choix dépasse évidemment le clin d’œil et le fait que la colossale œuvre a solidement établi la réputation internationale du Québécois comme créateur hors-norme. «Je voulais rappeler que les peuples avancent et perdent la mémoire», a-t-il dit lors du dévoilement du spectacle d’ouverture du nouveau théâtre de 650 places. L’annonce a suscité un véritable engouement (des billets sont encore disponibles).
Théâtre
Plusieurs curieux sont venus jeter un coup d’œil à l’installation toute la journée samedi. Avec cinq cercles de verre de 4,5 mètres de diamètre qui pèsent plusieurs kilos et qui seront superposés et illuminés, l’œuvre ne passera pas inaperçue et ne sèmera pas trop de controverse, selon le directeur général du théâtre, Bernard Gilbert.
«Ce n’est pas une œuvre qui va faire beaucoup de controverses. Plusieurs vont s’ennuyer de l’ancienne enseigne du Cinéma de Paris, c’est certain, mais il était impossible de la conserver. C’est une des forces de l’art de générer des discussions.»
M. Gilbert indique qu’on apercevra l’œuvre de Claudie Gagnon au loin, tout comme c’était le cas pour l’enseigne du Cinéma de Paris, qui se faisait remarquer bien avant l’arrivée des visiteurs à la place d’Youville.
«C’est un endroit stratégique. Notre idée, c’est que ce ne soit pas écrit “Diamant” sur la façade en avant, l’icône va être l’œuvre d’art. C’est l’élément clé qui vient signer l’endroit, juste au-dessus de la porte principale, qui est aussi la porte historique. C’était l’accès du Cinéma de Paris. La lumière du Soleil, la lumière ambiante, les lumières du Capitole, les lampadaires et les lumières du Diamant. On va découvrir tout ça au travers de ces couches de verre. Ça va être là pour des années, c’est pour 40, 50 ans. C’est prêt à résister au temps et à affronter les intempéries.»
Théâtre
Le directeur général Bernard Gilbert avait déjà annoncé la tenue d’activités inaugurales pendant la longue fin de semaine de la fête du Travail lors du dévoilement de la programmation. Les détails ont toutefois été dévoilés lundi matin.
Théâtre et cinéma
«C’est l’année où je fais plein d’affaires que je n’avais jamais essayées», constate-t-elle. Souriante et posée malgré la canicule estivale, Romane Denis entrevoyait avec bonheur ses vacances d’une dizaine de jours entre la présentation de Mamma Mia! à Montréal et à Québec. Elle prévoyait sagement se reposer, en cuisinant un peu, tout au plus, afin d’être en pleine forme au moment de reprendre le rôle de Sophie pour 24 représentations.
Cirque
Nous avons posé quelques questions par courriel au directeur de création Neilson Vignola. Il nous raconte son expérience dans l’Empire du milieu en nous dévoilant quelques aspects du spectacle Cirque du Soleil X : Land of Fantasy, où un duo de héros affronteront les dangers pour réunir deux anciens royaumes.
Théâtre
Au cours de sa longue carrière, Hal Prince a reçu 21 Tony Awards, les récompenses du théâtre à Broadway, de très loin le record en la matière. Il est décédé à Reykjavik, en Islande, des suites d’une «brève maladie», a indiqué le porte-parole.
Né en 1928 à New York dans une famille juive d’origine allemande, il fait partie des très rares metteurs en scène de Broadway à avoir traversé plusieurs époques différentes et survécu à la modernisation de l’univers des comédies musicales.
Hal Prince, qui disait avoir été contaminé par le théâtre après avoir vu Orson Welles dans Caesar à huit ans, a ainsi débuté sa carrière durant l’âge d’or de la comédie musicale, repéré par un autre monstre sacré du théâtre, George Abbott.
Engagé à 20 ans comme homme à tout faire par celui qui allait devenir son mentor, Hal Prince a gravi les échelons, au point de se voir finalement associé à la production, même si la fonction lui déplaisait.
Dès 1955, à 27 ans seulement, il décroche le Tony Award du meilleur producteur, sa première récompense, pour The Pajama Game en 1955.
Suivra une impressionnante série de succès, notamment West Side Story (1957), avant qu’il ne passe finalement à la mise en scène, sa véritable passion.
«Je voulais écrire», expliquait-il lors d’un entretien au site Broadway.com. «Mais je n’étais pas assez bon. Donc l’étape suivante, c’était la mise en scène.»
Il fera ses débuts de metteur en scène à Broadway avec She Loves Me en 1963, avant de s’attaquer, en 1966, à ce qui allait devenir l’une des comédies musicales les plus célèbres du théâtre, Cabaret.
Décors minimalistes
Son style était empreint d’économie, avec des décors assez minimalistes. Il s’est souvent vanté d’avoir produit ses premiers spectacles pour des budgets bien inférieurs à la moyenne.
Hal Prince a traversé les années 70 avec le même succès que lors des deux décennies précédentes, notamment grâce à Sweeney Todd (1979), puis est parvenu à négocier le virage des années 80 et 90, période durant laquelle Broadway s’est profondément transformé.
Il a notamment mis en scène Le fantôme de l’opéra, écrit par Andrew Lloyd Webber, qui détient le record de longévité à Broadway.
Théâtre
La Fenière format poche dans Lebourgneuf
Carol Cassistat a une longue histoire avec La Fenière, qui présentait jadis plusieurs pièces en été dans son théâtre de L’Ancienne-Lorette. «Le théâtre La Fenière a été mon premier employeur quand je suis sorti de l’école de théâtre. J’ai joué là en 1989, dès le premier été. Les grandes chaleurs, qui a ensuite donné un film, nous avait permis de jouer pendant quatre ans dans la région», raconte celui qui y a ensuite été comédien dans une trentaine de productions en 20 ans, en plus de mettre en scène sept ou huit pièces.
Après la perte de son lieu de diffusion, La Fenière a coproduit quelques pièces avec le Nouveau théâtre de l’île, à l’île d’Orléans, puis a redéfini sa mission. Carol Cassistat agit maintenant comme directeur artistique. «Je trouvais ça important que ça puisse revivre et avoir une seconde chance. Les déboires financiers sont derrière nous, on repart à zéro avec des productions à petit budget et un mandat renouvelé par rapport au théâtre du rire. Je ne veux pas nécessairement axer sur le théâtre d’été pour la suite des choses», indique-t-il.
Il espère que la pièce Elektro, dont il situe l’humour «entre Sacha Guitry et Ionesco», permettra à la compagnie d’affirmer ses nouvelles bases. On y suit deux histoires d’amour en fin de course. «Pierre [Sylvain Perron] se fait larguer le matin de l’enterrement de sa mère. Ce soir-là, ils devaient aller magasiner des électros. Il se rend au magasin en espérant que sa blonde [Catherine Côté] vienne tout de même au rendez-vous. Il y rencontre l’épouse [Valérie Boutin] d’un vendeur [Nicolas Boulanger] venue quitter son mari. Le largué et la largueuse vont se rencontrer. L’histoire est sur un fond de critique sociale de la société de consommation et ses excès», résume Carol Cassistat.
Cet humour «actuel», qui s’appuie sur une vérité humaine plutôt que sur des enchaînements de blagues et de quiproquos, lui semble être la voix à suivre pour attirer un public aimant la comédie. «On veut sortir du carcan de théâtre d’été, voir plus large, évoluer au rythme de la comédie d’aujourd’hui, affirme-t-il. Je ne veux plus forcer la mécanique de la comédie. Je veux qu’on aille vers quelque chose de plus simple.»
Comme La Fenière l’a toujours fait, le directeur artistique et metteur en scène souhaite mettre en valeur des acteurs de Québec et de la relève, plutôt que des acteurs du petit écran. «On n’est pas dans le vedettariat, mais dans le talent local», formule M. Cassistat.
Il souhaite aussi travailler avec différents auteurs. Elektro est la première pièce du romancier Olivier Challet et de l’auteure jeunesse Anne Bernard Lenoir — qui signe aussi la pièce Le Petit Avare, que le Gros Mécano, autre compagnie dont Carol Cassistat est directeur artistique, présentera aux Gros Becs en janvier.
LaScène Lebourneuf, un petit auditorium de 182 places, permettra de monter des spectacles «format poche», faciles à reprendre en tournée par la suite. «La communauté théâtrale cherche souvent de petites salles intimes et il n’y en a pas tant que ça à Québec, note-t-il. Il y a une belle ouverture de la part de LaScène Lebourgneuf d’accueillir de nouveaux projets.» Selon la réponse du public, il souhaite y présenter d’autres pièces, tant l’été que pendant les autres saisons.
«Il y a de la place. Il y a 25 ans, il y avait une dizaine de théâtres d’été dans la région de Québec. Il y avait une belle dynamique, il y avait de tout. Il y a eu un mouvement vers d’autres types de spectacles, mais je crois qu’il y a encore de la place pour du théâtre en été.»
Théâtre
Ce fait divers évoquait l’obligation pour une famille d’incendier sa maison en raison de la présence de la mérule pleureuse, un champignon dévastateur s’attaquant au bois.
«J’avais envie de donner un second souffle à cette histoire», aborde Simon Boulerice. Ce second souffle prend la forme de discussions familiales animées par quatre femmes, la propriétaire de la maison à détruire, ses deux filles, auxquelles se joint leur tante, belle-sœur de la proprio.
La venue de Simon Boulerice comme auteur pour les Productions à tour de rôle découle d’un petit détour, l’intervention de la metteure en scène Édith Patenaude, précise Dany Michaud, directeur artistique du théâtre gaspésien.
«J’ai vu plusieurs productions d’Édith Patenaude, dont 1984, au théâtre Denise-Pelletier. Je lui ai proposé de venir travailler avec nous, de faire son choix d’auteur […] C’est Édith qui a eu l’idée d’inviter Simon à écrire la pièce», souligne Dany Michaud.
«On me donnait carte blanche, ce qui n’est pas souvent facile», précise Édith Patenaude, qui y a vu l’occasion de proposer à Simon Boulerice, son cousin proche et son ex-colocataire, l’écriture de la pièce.
«C’était le contexte idéal pour avoir juste du plaisir, avec des côtés tendre et drôle. Ta maison brûle, c’est venu après», précise-t-elle, à propos de la pièce qui explore le rôle de la famille pour donner une âme à une maison, et sans doute aussi le rôle d’une maison pour animer une famille.
Le Théâtre à tour de rôle a toujours eu un fort penchant pour les comédies dramatiques, se tenant loin du théâtre d’été «tarte à la crème», bien que l’humour prenne généralement beaucoup de place, un humour fin.
«Édith a été très présente dans le processus dramatique. Je ne voulais pas seulement de la colère et de la vengeance, comme on voit à la télé. J’avais envie de tendresse aussi», précise Simon Boulerice.
Ainsi, la maison de Murielle, jouée par Micheline Bernard, est infestée de mérules pleureuses. La veuve de 61 ans se voit donc contrainte de brûler sa demeure ancestrale et ce qu’elle contient. Mais avant, pour commémorer leur vie dans cette précieuse maison, Murielle convie ses deux filles, interprétées par Anne Trudel et Ariane Côté Lavoie, à manger un repas qui tournera au délire dès l’arrivée imprévue de sa belle-sœur, Agnès, jouée par Monique Spaziani.
«C’est une “ma tante” cinglée, vive, très vive même, et colorée», résume celle-ci à propos de son personnage, qui participe encore à des concours de beauté et qui adore la menuiserie.
Cette 38e production du Théâtre à tour de rôle voyagera après son passage en Gaspésie. «On discute avec des théâtres de Québec et de Montréal. Cette pièce devrait avoir une deuxième vie», note Dany Michaud.
Ta maison brûle, une comédie un peu triste est présentée jusqu’au 16 août 2019, au Quai des arts de Carleton-sur-Mer. Réservations au 418 364-6822, poste 351, en ligne au www.productionsatourderole.com.
Théâtre
Le public a accueilli mardi la première mondiale de la pièce Outside avec une ovation, surtout quand les acteurs et actrices du Centre Gogol que dirige Serebrennikov à Moscou sont apparus aux saluts vêtus d’un T-shirt estampillé «Free Kirill» avec l’effigie du metteur en scène.
À défaut d’être présent — encore poursuivi dans une affaire de détournement de fonds controversée pour laquelle il est assigné à résidence pendant deux ans —, l’enfant terrible du théâtre russe a choisi de faire un clin d’œil à sa situation.
Il montre ainsi une scène au début de la pièce avec des agents des services de sécurité russes (FSB) faisant irruption dans l’appartement du narrateur et le malmenant. «Le corps est ce qui te reste quand tu perds tout», clame-t-il.
Dans un entretien par courriel avec l’AFP, le metteur en scène et réalisateur avait affirmé que le théâtre a rendu possible cette rencontre entre lui et le photographe chinois connu pour ses photos érotiques et surtout poétiques.
Une rencontre qui aurait dû avoir lieu en février 2017 si Ren Hang n’avait décidé de mettre fin à ses jours, à l’âge de 29 ans. «Chaque année j’ai le même espoir : mourir jeune. Et j’espère que cela se produira cette année», avait-il publié sur le réseau social chinois Weibo, avant son suicide.
Mais plutôt qu’une pièce autobiographique et d’une plongée dans la dépression qui a tourmenté le photographe pendant dix ans, Outside s’étale comme une série de tableaux se voulant comme un remake de ses photos les plus emblématiques.
Entrelacements chorégraphiques
Les interprètes, intégralement nus la plupart du temps, posent devant l’acteur incarnant Ren Hang : des postures certes explicites, mais surtout inattendues, avec des plantes ou des fleurs dans la bouche ou sur leurs parties génitales, un entrelacement de corps presque chorégraphique, des mises en scène à la fois provocatrices et taquines de corps faussement décapités.
Au son de chansons tantôt rock tantôt plus lyriques, ces tableaux sont traversés par le journal intime et poétique de Ren Hang, qui laisse entrevoir sa soif de liberté («À chaque fois que je fais une bêtise, je sens que la vie est meilleure»), mais aussi sa solitude et ses angoisses («Quand je te prends dans mes bras, j’ai peur que tu disparaisses»).
La censure des autorités chinoises est également évoquée : la pièce mentionne les détentions et l’annulation d’expositions jugées pornographiques, alors que le photographe autodidacte qui avait séduit les galeries occidentales représentait, entre autres, une nouvelle génération chinoise avec son regard franc sur la sexualité face au conservatisme dominant.
Et pourtant, Ren Hang n’a jamais voulu être politique à travers son art. Il «disait qu’il ne cherchait pas à influencer ou s’ingérer dans la politique chinoise, mais que c’est la Chine qui s’ingérait dans son travail», a expliqué Serebrennikov.
«Je fais ce que je fais, je ne repousse pas exprès les limites», disait encore le photographe.
En plus de Ren Hang, le metteur en scène a convoqué sur scène les esprits d’autres artistes qu’il admire et qui ont été des rebelles malgré eux : le photographe américain Robert Mapplethorpe, décédé en 1989 et connu pour ses portraits de nus masculins, mais aussi Rudolf Noureev, qui avait fait une retentissante défection à l’Ouest en pleine Guerre froide.
Serebrennikov avait d’ailleurs mis en scène en 2017 pour le Bolchoï un ballet sur le légendaire danseur, mais le spectacle avait été pris dans une controverse sur des danseurs nus et l’évocation de l’homosexualité de Noureev, retardant la première de six mois.
Théâtre
Poursuivi dans une affaire controversée de détournements de fonds, et après près deux ans d’assignation à résidence finalement levée en avril, le metteur en scène et cinéaste russe signe Outside, un spectacle sur le photographe chinois Ren Hang. Connu pour ses photos érotiques, censuré par les autorités de Pékin, ce dernier s’est suicidé en 2017 à l’âge de 29 ans.
Théâtre
Après la levée de son assignation à résidence en avril, l’enfant terrible du théâtre russe poursuivi dans une affaire controversée de détournement de fonds reste interdit de voyage hors de Moscou. Mais sa nouvelle pièce, Outside, sur le photographe chinois censuré Ren Hang qui s’est suicidé à 29 ans en 2017, sera bien présentée à Avignon.
Si la 73e édition (4-23 juillet) mise plus sur les nouveaux, elle démarre toutefois avec une pléthore de vedettes de la scène française au spectacle d’ouverture donné traditionnellement dans la Cour d’honneur, lieu de naissance du festival en 1947.
Emmanuelle Béart, Denis Podalydès, Jacques Weber ou encore Stanislas Nordey sont à l’affiche d’Architecture, signée de l’un des dramaturges contemporains français vivants les plus joués au monde, Pascal Rambert. Il y brosse le portrait d’une famille déchirée, comme une métaphore de l’Europe.
Le Vieux Continent, traité également par Roland Auzet dans Nous l’Europe, banquet des peuples sur un texte du prix Goncourt Laurent Gaudé, hante cette édition dont le «fil rouge» est l’odyssée, après le genre l’année dernière.
Le directeur du festival depuis 2013, Olivier Py, a évoqué le retour important de dramaturges de l’Hexagone au festival et un «renouvellement esthétique», plus des deux tiers des artistes invités n’y ayant jamais participé.
«C’est un choix volontaire. On a choisi de faire un festival un peu plus avec les vedettes de demain qu’avec celles d’hier», explique-t-il.
Parmi les jeunes artistes peu connus du public, Clément Bondu avec Dévotion, sur un poète qui convoque dans sa chambre tous les exilés du monde; Julie Duclos avec Pelléas et Mélisande de Maeterlinck; Maëlle Poésy avec sa version de l’Enéide de Virgile et Tommy Milliot qui monte La brèche, un texte de Naomi Wallace sur le viol d’une adolescente.
Théâtre
«Ça va devenir la signature du Diamant, croit le dg Bernard Gilbert. Pour l’instant, il n’y aura pas d’inscription sur la façade. [L’œuvre sera] l’icône que les gens vont voir en remontant ou en descendant la rue Saint-Jean. Ça va être aussi visible que l’était l’enseigne du cinéma de Paris.»
Le directeur, l’idéatrice et son complice, Ludovic Boney, qui a coordonné la fabrication de l’œuvre, nous ont accueillis dans un local du secteur industriel de Saint-Romuald — loué spécifiquement pour l’assemblage.
«Les parties extérieures sont bombées. Quatre couches représentent le même motif, décalé pour multiplier les angles et les reflets, alors que la couche centrale arbore un motif différent», explique Ludovic Boney. «Des anneaux d’aluminium viennent encercler des morceaux de verre, coupés en pointe, qui sont retenus ensemble par un scellant.»
Chaque cercle mesure 4,5 mètres de diamètre et le «sandwich» qu’ils formeront aura 80 cm d’épaisseur. Une fois terminée, l’œuvre sera transportée debout, par camion, jusqu’au théâtre qui s’élève à l’emplacement de l’ancien YMCA, à la place D’Youville.
Théâtre
L’artiste et son complice, Ludovic Boney, nous ont accueillis dans un atelier du secteur industriel de Saint-Romuald vendredi matin.
Faite de cinq cercles de verre de 4,5 mètres de diamètre qui seront superposés et illuminés, l’œuvre sera «une icône aussi visible que l’était l’enseigne de l’ancien Cinéma de Paris», souligne Bernard Gilbert, dg du Diamant. Texte complet à lire mardi.
Théâtre
«Je suis tellement excitée», lance une spectatrice en voyant arriver la magistrate, véritable culte dans les milieux progressistes américains.
«Go RBG», crie quelqu’un pour encourager cette femme de 86 ans fragilisée cet hiver par une opération aux poumons.
D’un geste lent, elle fait taire les applaudissements. Sa voix fluette, mais précise s’élève dans le Shakespeare Theater à Washington : «La Cour suprême d’Athènes va examiner la plainte d’Oreste contre Électre.»
Selon le scénario retenu pour ce «procès fictif», organisé lundi soir, des tribunaux ont ordonné à Électre de verser d’énormes dédommagements à son frère Oreste au motif qu’elle l’a incité à tuer leur mère, Clytemnestre, et que le jeune roi y a perdu sa réputation et sa santé mentale.
Électre assure que son frère a agi sous les ordres de l’oracle de Delphes et qu’elle n’a rien à se reprocher. Elle demande à la Cour suprême d’Athènes d’annuler sa condamnation.
«Le roi Oreste est malheureux», «il voulait rendre sa grandeur à Athènes» et ça ne marche pas alors il se retourne contre sa sœur, argumente son avocate — rôle endossé par l’avocate Beth Brinkmann — dans le premier d’une longue série d’allusions au président Donald Trump et à son slogan de campagne (Make America Great Again — Rendre à l’Amérique sa grandeur).
«Dysfonctionnelle»
Représentant les intérêts d’Oreste, Elizabeth Wydra use du même ressort comique. À cause d’Électre, «mon client est victime d’une chasse aux sorcières», plaide-t-elle, en référence à l’expression martelée par le milliardaire républicain tout au long de l’enquête russe.
Leurs flèches déclenchent l’hilarité du public. À Washington, les électeurs votent démocrates à une écrasante majorité et les critiques, même voilées, contre le président font mouche.
La juge Ginsburg, égérie des milieux de gauche en raison de sa défense des droits des femmes ou de l’environnement, ne peut pas se permettre ces écarts. Elle avait été épinglée en 2016 pour avoir critiqué le candidat Trump. Cette fois, elle se contente de questions factuelles.
À ses côtés, Stephen Breyer — un autre sage de la Cour suprême qui incarne un juge à ce procès fictif — ironise sur les drames vécus chez les Atrides, résumant en accéléré les meurtres, infanticides et parricides commis sur plusieurs générations. «Ça me semble être une famille très dysfonctionnelle», conclut-il dans un large sourire.
«Les juges s’amusent» lors de nos procès fictifs. «Ils s’y préparent, ils viennent avec des blagues», explique Abbe Lowell, avocat et président de la Bard Association, un groupe de professionnels du droit fans de théâtre qui soutiennent le Shakespeare Theater.
Depuis 1994, la Bard Association organise deux fois par an depuis quelques années — contre une fois au début — des «procès fictifs», le plus souvent inspirés de pièces de Shakespeare, mais aussi d’auteurs grecs.
«On a toujours au moins un juge de la Cour suprême, parfois deux ou trois», souligne Abbe Lowell.
Ligne à ne pas franchir
Ruth Bader Ginsburg, une fidèle, a ainsi déjà jugé des dossiers inspirés de Macbeth, Camelot ou encore Don Quichotte.
«Ils viennent pour soutenir le théâtre», «parce qu’ils apprécient les thèmes» et parce que «c’est leur activité la plus drôle à Washington», relève le président de l’association.
Mais comment concilient-ils ces soirées avec leur devoir de réserve?
«On a toujours un peu gratté les politiques, mais on le fait avec humour, dans un bon esprit», assure-t-il. «Les participants connaissent la ligne à ne pas franchir.»
Lundi soir, Oreste a pourtant perdu à plate couture : le public et les cinq juges, présidés par RBG, ont à l’unanimité donné raison à sa sœur.
«Il faut mettre un terme au cycle des violences», a déclaré magnanime Ruth Bader Ginsburg pour justifier sa décision. «Nous devons trouver un moyen pour que les gens se réconcilient.»
Théâtre
Soieries capitonnées, moquettes fleuries, ornements peints ou en carton-pierre doré, lustres et lampes, lourds drapés bleutés des rideaux de scène: tout dans ce théâtre et jusque dans les boudoirs, escaliers, vestibules qui l’entourent, donne l’impression d’un écrin préservé pour une époque douillette, luxueuse. Au moins pour l’aristocratie de cour...
Le 27 avril 2007, un projet de restauration étonnant voyait le jour. Cheikh Khalifa ben Zayed Al-Nahyane, président des Émirats arabes unis, émerveillé par le spectacle de ce théâtre à l’abandon, signait un chèque devant le ministre de la Culture d’alors Renaud Donnedieu de Vabres. Le théâtre de Napoléon III était rebaptisé dans la foulée à son nom.
Douze ans plus tard, le ministre de la Culture Franck Riester et le président du château de Fontainebleau, Jean-François Hébert viennent rouvrir le théâtre situé dans l’aile Louis XV, en présence du chef de la diplomatie des Émirats, Abdallah ben Zayed Al-Nahyane.
Le cheikh est venu voir si le mécénat d’Abou Dhabi a bien restauré ce «bijou» et constater que tout y fonctionne dans les moindres détails. Une certaine tension était palpable dans les derniers préparatifs à la veille du passage du grand mécène arabe.
«Tombé dans l’oubli, ce théâtre était dans un état presque parfait» quand il fut redécouvert, rappelle Jean-François Hébert. C’est d’abord que, sitôt construit, il n’avait été pratiquement pas utilisé - il aurait fonctionné une dizaine de fois entre 1857 et 1868 pour des spectacles devant quelque 400 courtisans.
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Théâtre
«J’ai informé la RSC que je pensais devoir démissionner, car je ne souhaite pas être associé à BP, comme je ne souhaiterais pas l’être à un marchand d’armes, un vendeur de tabac ou toute personne qui détruit délibérément la vie de personnes vivantes et à naître. William Shakespeare ne le voudrait pas non plus, je crois», écrit M. Rylance, considéré comme l’un des plus talentueux comédiens britanniques de sa génération, dans le quotidien The Guardian.
Il a expliqué que son opposition exprimée de longue date au mécénat de BP n’avait rien changé à la position de la direction de la prestigieuse compagnie théâtrale basée à Stratford-Upon-Avon, ville natale de William Shakespeare.
Évoquant les grèves dans les écoles pour protester contre l’inaction face au changement climatique, le comédien ajoute : «Je suis sûr que la RSC veut être du côté des jeunes qui changent le monde, pas des entreprises qui détruisent le monde?»
La RSC s’est dit «attristée» par la décision de Mark Rylance. «Nous reconnaissons l’importance d’un débat vigoureux et engagé pour prendre ces décisions, en particulier à la lumière de l’urgence environnementale et climatique établie», a ajouté la compagnie.
De son côté, BP a refusé de commenter et précisé que son soutien financier permettait d’offrir environ 10 000 billets bon marché à des jeunes chaque année.
La décision de Mark Rylance fait suite à des manifestations d’artistes et de militants environnementaux contre les liens entre BP ou d’autres compagnies pétrolières et des institutions culturelles britanniques comme la National Portrait Gallery, le Royal Opera House ou le British Museum.
«Il n’y a aucune raison de promouvoir l’une des sociétés de combustibles fossiles les plus destructrices au monde en pleine crise climatique», a déclaré Jess Worth, du mouvement Culture Unstained, au Guardian.
«Au moment où des acteurs, musiciens, artistes et passionnés de culture manifestent en choeur leur désapprobation, la RSC, la National Portrait Gallery, le Royal Opera House et le British Museum doivent agir rapidement pour mettre fin à leurs contrats de mécénat, sinon leur réputation en pâtira», a-t-elle ajouté.
Théâtre
L’année dernière, la crainte de manifestations en marge du Sommet du G7 a poussé le Grand Théâtre à tirer le tapis sous les pieds — ou plutôt les mains… — du spectacle Cold Blood de Michèle Anne De Mey et Jaco Van Dormael. Précédemment, la pièce Murmures des murs de Victoria Thiérrée a été frappée de malchance deux années consécutives.
Théâtre
Hadestown partait grand favori de ces 73es Tony avec 14 nominations et huit récompenses au final, dont celle de meilleure comédie musicale.
Le spectacle, version très moderne du mythe d’Orphée et Eurydice, aux sonorités folk et jazz, est arrivé à Broadway en avril après un parcours de 13 ans inhabituel pour les grandes productions de Broadway.
Après avoir démarré comme un spectacle chanté, sans chorégraphie, présenté dans le Vermont dès 2006, il est devenu un album à succès puis un spectacle off-Broadway, passé par Londres et le Canada.
«Si Hadestown a un message, c’est que le changement est possible, qu’après des périodes noires, le printemps va revenir», a souligné la productrice Mara Isaacs en recevant son trophée.
The Ferryman, pièce de Jez Butterworth née à Londres en 2017, était également parmi les grands favoris cette année avec neuf nominations et au final quatre Tony, dont celui de meilleure pièce.
Mise en scène par Sam Mendes - sacré meilleur metteur en scène -, elle raconte, avec beaucoup d’humour et d’entrain, l’histoire tragique d’une disparition dans l’Irlande du Nord de 1981, en pleine grève de la faim du militant républicain Bobby Sands.
Dans une période où l’IRA, l’Armée républicaine irlandaise, use de tactiques troublantes et Margaret Thatcher affiche son inflexibilité légendaire, les secrets d’une famille de la campagne, pleine de personnages hauts en couleur (21 acteurs au total, dont un bébé et une oie en chair et en os) vont progressivement se révéler.
Bryan Cranston récompensé
